Tranches de Ciné

     In the Air, comédie dramatique de Jason Reitman. Avec George Clooney, Anna Kendrick, Jason Bateman, Vera Farmiga...

La note de Tranches de Ciné : 4/5

     Le pitch : Ryan Bingham (G. Clooney) travaille dans une entreprise au sein de laquelle il est payé pour virer des employés dans d'autres entreprises qui n'osent pas le faire elles-mêmes. Pour cela, Ryan est toujours en voyage, traversant les Etats-Unis d'un bout à l'autre pour accomplir sa tâche. Solitaire, il va néanmoins croiser la route de deux femmes qui vont marquer sa vie : Natalie (A. Kendrick) et Alex (V. Farmiga).

     La critique : Après le carton plein qu'a été Juno, sorti deux ans plus tôt, Jason Reitman renoue avec la comédie dramatique, traitant cette fois-ci de thèmes tels que la solitude.

     Reitman est indéniablement un réalisateur talentueux. Il sait offrir une histoire agréable et touchante en évitant les superflus inutiles et insipides que d'autres auraient volontiers intégrés. Au lieu de cela, ce réalisateur-là va directement là où il veut aller et touche rapidement au coeur. Ses personnages sont calibrés mais réservent des surprises, l'histoire est au premier abord relativement simple mais recouvre tout un champ émotionnel qu'il fallait aller chercher. En ce sens, Jason Reitman séduit sans trop de difficultés. Pour autant, il reste un réalisateur en devenir, en construction. Si Juno était très réussi, on y trouvait toutefois quelques petites failles qui pouvaient être mises sur le compte d'un début de carrière malgré tout prometteur et qui pouvaient aussi laisser penser que des leçons allaient être tirées. Néanmoins, Jason Reitman renouvelle quelques unes de ses erreurs et notamment sa tendance à simplifier parfois l'avancée de son film en jouant sur des éléments trop connus pour être encore efficaces. Certains effets de style (qui n'en sont plus d'ailleurs tant ils ont été utilisés et usés) deviennent alors trop prévisibles, ce qui fait que certaines conclusions laissent un peu à désirer. Pour autant, on ne peut certainement pas cracher sur ce film, dans lequel, le réalisateur crée et met en scènes des personnalités très humaines, très proches de nous. C'est ainsi une partie du commun des mortels qui évolue à l'écran. Et si l'effet cathartique complètement possible ne se produit pas chez tout le monde, je reste cependant persuadé que ces personnages là toucheront quand même la plupart des spectateurs.

     Et c'est aussi grâce à un casting trois étoiles que cet effet est possible. Si George Clooney fait du George Clooney sans grande nouveauté, on ne peut pas lui enlever une certaine aisance qui lui permet d'être complètement ce Ryan Bingham. Aussi humanisé que possible par son interprète, le personnage n'en devient alors que plus proche de nous. Et il ne faut pas oublier de citer Vera Farmiga qui offre à In the Air un second rôle très équilibré, donnant ainsi non pas un mais bien deux acteurs à voir dans ce film. C'est alors un duo Clooney/Farmiga qui se développe tout au long du film et qui repose sur une mécanique parfaite. Enfin, citons Anna Kendrick dont le jeu, bien qu'un peu trop cadré, colle plutôt bien au rôle qui lui est ici proposé.

     Jason Reitman signe donc ici un film de très bonne facture qui rappellera Juno sous certains aspects. Un ralisateur à suivre, sans aucun doute.

     Le "Oh, au fait !" :

     Avec In the Air, Jaosn Reitman renoue avec certains acteurs rencontrés sur de précédents tournage. Ainsi, J.K. Simmons avait joué dans Juno et dans Thank You for Smoking, où l'on retrouvait aussi Sam Elliott (qui incarne ici le pilote de l'avion que Ryan rencontre). Enfin, Jason Bateman figurait également au casting de Juno.

     Jason Reitman est le fils d'Ivan Reitman, qui a notamment réalisé les deux volets de la saga S.O.S Fantômes.

     Appaloosa, western de et avec Ed Harris. Avec aussi Viggo Mortensen, Renée Zeelweger, Jeremy Irons, Ariadna Gil...

La note de Tranches de Ciné : 3,5/5

     Le pitch : Le marshall Virgil Cole (E. Harris) et son adjoint Everett Hitch (V. Mortensen) arrivent à Appaloosa, petite ville du Nouveau-Mexique où Randall Bragg (J. Irons) règne en maître et face auquel le duo aura du mal à faire face. En parallèle, Allison French (R. Zellweger), jeune veuve, débarque elle aussi dans la vie des deux hommes et va mettre leur amitié à l'épreuve.

     La critique : Moi qui trouve qu'on ne fait plus assez de bons westerns (ni de westers tout court d'ailleurs) de nos jours, je dois dire que l'année 2008 m'a gâté. Entre 3h10 pour Yuma et Appaloosa, les amateurs de cow-boys ont eu plaisir à aller au cinéma.

     Mais attention, Appaloosa n'est pas 3h10 pour Yuma. Là où James Mangold donnait à voir un western plutôt brutal, dans la lignée de ceux qui ont fait la légende Clint Eastwood, Ed Harris choisit de s'inscrire dans un autre registre de western, se rapprochant plus de ceux où il est question de règlements de comptes mais aussi d'amour et d'amitié. Et, en ce sens, on peut dire que l'acteur-réalisateur a plutôt bien réussi son coup. En effet, pour sa seconde réalisation, Ed Harris développe une histoire qui tourne autour de ce duo que forment Hitch et Cole et y distille les différentes thèmes cités ci-dessus. Il compose alors un western digne de ce nom mais qui faiblit sur certains points, à commencer par ce triangle amoureux. D'ailleurs, notons que ce triangle devient finalement quelque chose de bien plus complexe, étant donné le caractère du personnage d'Allison French. Ici, l'histoire perd du rythme et, malheureusement, de l'intérêt aussi. A grands coups de "je t'aime-moi non plus" plutôt mal gérés, le spectateur finit par perdre pied et trouvera probablement tous les passages liés à cela d'un ennui profond (pour ne pas dire d'une inutilité totale). Ce n'est pas que ce thème là n'a pas sa place dans un western (regardez Il Etait une Fois dans l'Ouest, Sergio Leone avait très bien géré la chose) mais il est ici mal approprié et mal traité, ce qui le rend finalement lassant. Mais Ed Harris se rattrape avec les autres éléments de l'histoire, ceux qui lient le duo Cole-Hitch au méchant du film, Bragg. Là, on retrouve un western plus péchu, plus hargneux, plus crade. Un de ceux où on l'on joue du colt et du calibre 8 pour faire trembler et où l'on se défie dans les rues poussiéreuses d'une ville minuscule. Ces passages là sont vraiment bien.

     Côté castig, Ed Harris et Viggo Mortensen offrent une belle paire de cow-boys. Les deux acteurs font preuve d'une complicité juste et agréable à regarder. Ils se répondent comme s'ils avaient toujours joué ensemble et permettent donc à l'amitié qui lie Cole et Hitch d'être encore plus vraie que nature. Et indépendemment l'un de l'autre, Harris comme Mortensen incarnent leurs personnages respectifs à la perfection. Ces deux cow-boys là sont proches de ceux qu'on a pu connaître autrefois chez Leone ou chez John Ford. Quant à Renée Zellweger, elle semble plus en demie-teinte. Pas vraiment dans le rôle, sa prestation n'est pas à 100 % satisfaisante. L'actrice semble s'effacer alors que son personnage lui donne toute l'opportunité d'être au premier plan. Dommage.

     Appaloosa est donc un western relativement correct mais dont certains l'intrigue amoureuse n'est pas assez bien traitée pour être justifiée.

     Le "Oh, au fait ! " :

     Ed Harris et  Viggo Mortensen s'étaient déjà rencontrés sur le tournage du film A History of Violence, de David Cronenberg.

     Ce film est l'adaptation du roman éponyme de Robert B. Parker, paru en 2005. Ce roman est le premier d'une série de quatre livres mettant en scène les aventures de Virgil Cole et Everett Hitch : Appaloosa donc mais aussi Resolution (2008), Brimstone (2009) et Blue-Eyed Devil (2010).

     Radiostars, comédie de Romain Levy. Avec Manu Payet, Clovis Cornillac, Douglas Attal, Pascal Demolon...

La note de Tranches de Ciné : 3,5/5

     Le pitch : Ben (D. Attal) est un humoriste qui revient de New-York. De retour en France, il cherche un nouveau boulot et se retrouve bientôt engagé au sein de l'équipe de Arnold (C. Cornillac), qui anime le morning de Blast FM. Mais l'émission est en plein déclin et l'équipe se retrouve forcée par le patron de la radio à partir en tournée en France dans les différentes villes où les audiences ont diminué.

     La critique : La comédie à la française étant ce qu'elle est aujourd'hui, je dois avouer que je ne posais pas beaucoup d'espoirs sur celle-ci. Et pourtant, j'ai été convaincu.

     Radiostars brille d'abord par sa capacité à avoir posé des personnages relativement caricaturaux (pas tous mais quelques uns tout de même). Je pense notamment à Arnold (parisiannist arrogant et dédaigneux), à Cyril (vieux-jeune légèrement à côté de la plaque) ou encore à Jérémie (le roux bègue qui ne sert à rien, il est gratiné celui-là...). Si ces caricatures (toutes proportions gardées) ne sont pas vraiment nouvelles, elles ont au moins le mérite de permettre au réalisateur de poser des situations où chacune sera exacerbée, toujours plus grossie. Or, on retrouve ce type de situations de manière assez récurrente dans ce film. L'occasion donc de jouer sur les traits de caractère de chacun et donc de déclencher des éléments comiques. Et puisqu'on parle de comique, relevons que l'humour est d'assez bonne facture, bien qu'il oscille parfois entre "humour pas très raffiné" et "humour graveleux", deux acceptions dont on aurait pu se passer. Le passage sur avec la demoiselle aux clichés sur les Juifs est par exemple un "instant humoristique" relativement raté étant donné qu'il reprend les clichés classiques dont on a (beaucoup trop) l'habitude. Mais bon, on se marre la plupart du temps et c'est déjà ça. On notera également ce running-gag bien foutu qui tourne autour de savoir si le chauffeur de bus est un homme ou une femme (il faut dire qu'on a du mal à le deviner, mais il suffit de lire le casting pour le savoir...). Au-delà de la simple comédie, Radiostars est aussi un road-movie, un de ces films où les personnages, une fois sur les routes, vont se (re)découvrir. Les jugements et a prioride chacun (que ce soit envers leurs camardes ou envers eux-mêmes) vont être mis à rude épreuve, les tensions vont être décuplées (etc.) pour finalement remettre tout le monde en question. Et si la remise en question est (elle aussi) somme toute assez classique, elle ne perd pas pour autant de sa saveur, peut-être parce qu'elle se fait dans une ambiance différente de celle des road-movies dont on a l'habitude : la comédie.

     Côté casting, on retrouve un Clovis Cornillac qui, il me semble, n'est pas spécialement à l'aise. J'ai toujours pensé que la comédie n'était pas son fort et ça se confirme ici, d'autant qu'il incarne le personnage le plus antipathique et le moins drôle de la bande. Non, décidément, Cornillac est fait pour jouer des hommes durs. C'est un acteur de drame, de thriller mais certainement pas de comédie. Manu Payet en revanche est bien plus à l'aise. Il faut dire aussi qu'il nage ici dans deux univers qu'il connaît bien : la radio (qui l'a révélé il y a déjà quelques temps) et la comédie. Et, au final, il s'en sort plutôt bien, il fait rire et offre sans doute la meilleure prestation de l'ensemble. On soulignera aussi les seconds rôles, relativement inégaux. Si Pascal Demolon offre par exemple une prestation digne d'intérêt, il n'en est malheureusement pas de même pour Douglas Attal, qui se trouve aussi effacé à l'écran que son personnage l'est derrière ces animateurs de radio.

     Romain Levy livre donc un road-movie comique plutôt réussit, qui offre une certaine fraicheur dont on pouvait craindre l'absence. Mais on ne peut pas s'empêcher de croire que ça aurait pu être mieux.

     Le "Oh, au fait !" :

     Romain Levy a testé les blagues les moins politiquement correcte sur sa mère. Si elle appréciait, il les gardait. Michel Hazanavicius applique la même méthode.

     Lors du montage, c'est pas moins de 15 versions différentes qui ont été mises en forme avant d'arriver à ce résultat final.

     The Truman Show, drame de Peter Weir. Avec Jim Carrey, Ed Harris, Laura Linney, Noah Emmerich...

La note de Tranches de Ciné : 5/5

     Le pitch : Truman Burbank (J. Carrey) mène une vie paisible à Seahaven, petite ville paisible où il a toujours vécu. Tout semble aller pour le mieux. Mais ce que Truman ne sait pas, c'est qu'il est en fait à son insu le personnage principal d'une émission de télé-réalité qui le suit depuis sa naissance et qui a écrit sa vie. Mais Truman commence à remarquer que tout n'est pas si normal dans son entourage.

     La critique : De Peter Weir, je n'ai vu que deux films : Le Cercle des Poètes Disparus et The Truman Show. Et déjà, rien que ça, c'est quelque chose de grand !

     Quelle émotion ! Avec The Truman Show, Peter Weir emmène le spectateur avec lui et ne le laisse pas repartir comme ça. Il le fait passer du rire aux larmes avec un talent indéniable. Le scénario tient la route, les flashbacks sont très bien placés dans la trame scénaristique et, finalement, il n'y a que peu de choses à redire. Mais, au-delà de l'histoire, Peter Weir réussit à offrir une belle réflexion sur la pouvoir de la télévision. Si le thème a déjà été abordé (comme dans Le Prix du Danger en 1983) et réabordé ensuite (En Direct sur Ed TV, en 1999 ou encore Live ! en 2008), il l'est ici d'une manière très intéressante. Peter Weir s'interroge et amène le spectateur à s'interroger également sur la toute-puissance du petit-écran. Jusqu'où peut-on aller pour toujours plus d'audimat ? La vie d'un homme lui appartient-elle toujours lorsqu'il passe de l'autre côté de l'écran ? Ces questionnements sont par ailleurs posés dans un contexte d'émergence toujours plus forte de la télé-réalité, dont Peter Weir va ainsi se faire le premier dénonciateur. Il est intéressant de voir non seulement ce qui se passe à Seahaven mais aussi ce qui se déroule dans la réalité. Ce sont ainsi des millions de personnes qui suivent la vie de Truman 24h sur 24 mais qui, comme le montre finalement Peter Weir, n'en ont rien à faire. L'ultime dialogue du film permet en effet de prendre conscience de cela de manière flagrante. Ce qu'on retiendra de ce film, c'est aussi la manière dont Peter Weir a déifié le personnage de Christof. Son échange avec Truman à la fin du film est particulièrement représentatif de cela. Il est le créateur, celui qui a fait de Truman ce qu'il est aujourd'hui, n'hésitant pas à comparer ce dernier à une sorte de messie ("apporter de la joie et du bonheur à des millions d'hommes et de femmes"...). Bref, le discours porté est très intéressant mais il l'est d'autant plus que Weir réussit à créer toute une symbolique autour de celui-ci qui le rend encore plus fort.

     Côté casting, Jim Carrey est au top. Pour sa première véritable incursion dans un autre genre que la comédie, il prouve qu'il est un comédien accompli. Il arrive en effet à être très touchant dans le rôle de Truman. C'est d'ailleurs sans doute le seul acteur comique à avoir réussi à m'émouvoir de cette manière. On retrouvera par instants ses frasques habituelles mais il les distille idéalement, les laissant finalement devenir des reflets du trouble qui est jeté dans la tête de Truman. Du très bon travail pour Jim Carrey donc. Quant à Ed Harris, qui incarne le créateur et réalisateur du programme, il confère une dimension certaine à ce personnage. Je parlais du fait que Peter Weir l'avait déifié mais Ed Harris participe à cela en donnant un caractère très grave et solennel à Christof qui le rapproche un peu plus de cette dimension.

     The Truman Show constitue donc une oeuvre majeure à la fois dans la carrière de Peter Weir mais aussi dans celle de Jim Carrey. Première véritable dénonciation des dérives auxquelles la télé-réalité pourrait arriver, ce film constitue également un excellent divertissement à la fois tragique et comique.

     Le "Oh, au fait !" :

     En 1999, The Truman Show a décroché trois Golden Globes : Meilleur Acteur dans un film dramatique pour Jim Carrey, Meilleur Acteur dans un second rôle pour Ed Harris et enfin Meilleure Musique de film pour Burkhard Dallwitz et Philip Glass.

     Blade Runner, film de science-fiction de Ridley Scott. Avec Harrison Ford, Rutger Hauer, Darryl Hannah, Sean Young...

La note de Tranches de Ciné : 4/5

     Le pitch : En 2019, l'Homme colonise l'espace et, pour cela, il envoie dans ces colonies des Répliquants, sortes d'androïdes extrêmement proches des humains dans leur aspect. Mais le modèle Nexus 6 est déclaré dangereux et hors-la-loi quand plusieurs d'entre eux a pris le contrôle d'un vaisseau après en avoir massacré l'équipage. Et quand quatre d'entre eux reviennent sur Terre, c'est à Rick Deckard (H. Ford), un blade runner, qu'est confiée la lourde mission de les éliminer.

     La critique : A noter que la version dont je vais parler ici, parmi les 7 qui existent, est la version Final Cut sortie en 2007, c'est-à-dire celle qui correspond à ce que Ridley Scott a toujours voulu réaliser.

     On m'a souvent parlé de Blade Runner comme d'un chef-d'oeuvre absolu du cinéma de science-fiction, le genre de film qu'on ne peut pas dépasser. Après visionnage, je dois reconnaître qu'il s'agit d'un excellent film mais le meilleur, peut-être pas. En fait, je crois qu'il n'y en a tout simplement pas deux comme lui, Blade Runner faisant pratiquement office de genre à part entière. Habile mélange entre la SF, le polar noir et le thriller, ce film repose sur une série de mécanismes qui s'entremêlent très bien pour lui donner un dynamisme mesuré et ingénieux. Ainsi, le scénario, brillamment composé d'ailleurs, repose sur une série de rebondissements qui se construisent en empruntant des codes à chacun des genres que j'évoquais plus haut. Cela donne finalement une histoire particulièrement sombre qui s'appuie sur une atmosphère parfaitement anxiogène. En effet, la mise en scène de Ridley Scott laisse planer l'ombre d'une angoisse du début à la fin de l'oeuvre. Pour cela, il n'hésite pas à placer son film dans sa quasi-intégralité de nuit et sous la pluie, le tout dans un New-York futuriste particulièrement obscur. Et c'est sans compter sur des personnages, et notamment les Répliquants, qui ne font qu'ajouter à l'angoisse. Et c'est bien grâce à l'un deux, le Répliquant Roy, que l'ambiance devient carrément anxiogène lors de ce duel final où la violence s'accompagne des hurlements de ce dernier pour nous faire autant peur qu'ils font visiblement peur au personnage de Deckard. Il faut dire aussi que le personnage de Roy est composé de telle manière qu'il peut difficilement laisser de marbre. Rappelant le stéréotype de l'homme parfait (l'aryen de la philosophie nazie presque), il est imposant, fort, violent et dangereux. Difficile donc de passer outre la peur qu'il peut générer à chacune de ses apparitions. Je parlais juste avant du duel final, j'en profite pour avouer que si cet ultime combat m'a semblé particulièrement bien réalisé, complètement ancré dans l'atmosphère du film (dont il constitue un point d'orgue), il m'a néanmoins paru légèrement bâclé sur sa fin. Très (trop) rapide, la conclusion de ce duel m'a laissé sur ma faim, moi qui m'attendais à quelque chose de spectaculaire, comme pour donner un bouquet final à tout cela.

     Côté casting, Harrison Ford renoue ici avec la science-fiction, lui qui a été rendu si populaire par la saga Star Wars. Il incarne un blade runner qui, bien qu'engagé auprès de sa mission, semble malgré tout désemparé face à ce qu'il rencontre via celle-ci. En ce sens, Harrison Ford prête divers traits à Rick Deckard, parmi lesquels un regard parfois absent, comme s'il cherchait un soupçon de clarté dans ce futur particulièrement obscur. Quant à Rutger Hauer, il est l'incarnation idéale de Roy. Avec son physique et ses traits, il peut facilement incarner l'homme parfait tel que décrit dans l'inconscient collectif ou tel qu'on a pu l'hériter des années 1930-1940. Sans bouger et juste en regardant, il donne à son Roy cet air si sombre et si méchant finalement.

     Blade Runner constitue donc un film très particulier. Complexe et noir, il est sans doute un incontournable du cinéma de SF. A voir au moins une fois.

     Le "Oh, au fait !" :

     Blade Runner est une adaptation du roman de Philip K. Dick intitulé Les Androïdes rêvent-ils de Moutons électriques ? paru en 1966. Le film est d'ailleurs dédié à l'auteur.

     Avec ses 7 versions différentes, Blade Runner propose finalement 2 fins distinctes, celle de la Final Cut étant celle voulue par Ridley Scott.

     En 2004, le film est élu par 60 scientifiques, via une enquête menée par le journal britannique The Guardian, comme étant le meilleur film de science-fiction, juste devant 2001 : L'Odyssée de l'Espace.