Tranches de Ciné

     Star Wars-Episode III : La Revanche des Siths, film de science-fiction de George Lucas. Avec Hayden Christensen, Natalie Portman, Ewan McGregor, Ian McDiarmind...

La note de Tranches de Ciné : 4,5/5

     Ce film est la suite de Star Wars-Episode II : L'Attaque des Clones (George Lucas, 2002).

     Il est suivi par Star Wars-Episode IV : Un Nouvel Espoir (George Lucas, 1977).

     Le pitch : Alors que la Guerre des Clones fait rage dans la galaxie, le Chancelier Palpatine (I. McDiarmind) est enlevé par le Général Grievous, sous les ordres du Comte Dooku (C. Lee). Les deux Jedi Anakin Skywalker (H. Christensen) et Obi-Wan Kenobi (E. McGgregor) sont envoyés à son secours. De retour sur Coruscant, les événements se compliquent, Padmé (N. Portman) est enceinte, Palpatine s'oppose de plus en plus au Conseil des Jedi et Anakin, tiraillé entre son engagement de Jedi et son amitié pour le Chancelier, hésite de plus en plus sur les choix qu'il doit faire. Jusqu'à ce qu'il prenne la plus importante décision de sa vie.

     La critique : Alors que les deux premiers épisodes de sa prélogie ont été assez décriés (et le sont encore aujourd'hui), George Lucas signe en 2005 le film qui vient boucler la boucle en faisant le pont avec la trilogie originale.

     Quitte à ce que vous me premiez pour un fou, je l'affirme : l'épisode III est l'un des meilleurs de la saga Star Wars. Il vient idéalement conclure cette deuxième phase de la série en offrant un condensé du meilleur de celle-ci. Rien que l'ouverture en impose. Cette bataille spatiale incroyable qui se déroule au-dessus de Coruscant est impressionnante. Mais surtout, cette intensité qui se dégage de ce conflit, on la retrouve tout au long du film, construit sur une tension de plus en plus palpable au fur et à mesure que l'on avance dans l'histoire. Plus encore qu'auparavant, le doute est une notion bien présente dans La Revanche des Sith. Alors, plus moyen de s'en défaire. D'autant que l'on sait pertinnement comment tout cela va finir ! Le jeu repose alors sur l'idée de voir et de découvrir comment tout ceci a pu tourner, quels ont été les éléments déclencheurs. Et là, George Lucas réalise un bon coup en développant une intrigue aussi intéressante que bien filée. De plus, il fait construit encore et toujours le lien avec les cinq autres épisodes en implantant des personnages dont l'importance est considérable pour la continuité du récit vers l'ancienne trilogie, en faisant des références à des éléments passés et à venir... Bref, George Lucas boucle la boucle sans rien oublier.

     Côté casting, tous les noms de l'épisode précédent sont de retour. Natalie Portman et  Ewan McGregor n'ont, une fois de plus, rien à se reprocher. Je disais en parlant de L'Attaque des Clones, que McGregor composait un excellent Obi-Wan. Il ne fait ici que confirmer mes propos. Il a vraiment la tête de l'emploi ! Hayden Christensen est plus intéressant quant à lui. Peut-être plus à l'aise encore dans son rôle, il développe Anakin et lui donne plus de profondeur, il le rend plus humain encore.

     Le cycle est donc complet avec cet épisode III d'excellente facture qui offre un final à la prélogie dans un grand spectacle spatial.

     Le "Oh, au fait !" :

     Pour le duel entre Anakin et Obi-Wan, Hayden Christensen et Ewan McGregor ont dû s'entraîner pendant trois mois à raison de cinq ou huit heures par jour. A l'écran, le duel dure près de 12min, ce qui en fait un des combats les plus longs du cinéma.

     Le jour où Hayden Christensen a mis le costume de Dark Vador et ainsi ramené la célèbre armure sur un plateau de cinéma plus de 20 ans après l'épisode VI, 1 500 personnes sont venues sur le tournage pour le voir enfin !

     15 Ans et Demi, comédie de François Desagnat & Thomas Sorriaux. Avec Daniel Auteuil, Juliette Lamboley, Lionel Abelanski, François Damiens…

La note de Tranches de Ciné : 1,5/5

     Le pitch : Philippe Le Tallec (D. Auteuil) est un célèbre biochimiste à qui tout réussi. Mais depuis 15 ans qu’il vit  Boston, il n’a eu que trop rarement l’occasion de voir sa fille Eglantine (J. Lamboley). Mais lorsque l’ex-femme de Philippe l’appelle pour venir s’occuper de sa fille pendant trois mois, ce dernier ne se fait pas prier et revient en France. Mais il ne s’attendait pas à retrouver Eglantine en pleine crise d’adolescence.

     La critique : Si le pitch prêt à sourire bien qu’il soit beaucoup trop classique, le film a beaucoup plus de mal à le faire…

     Pourtant, il y a de bonnes choses à trouver dans cette comédie mais le niveau oscille tellement entre le bon, le tout juste moyen et le franchement mauvais que l’on se lassera sans problème. Déjà, on pourra reprocher à François Desagnat à Thomas Sorriaux d’avoir voulu faire un teen movie à la française. Les Américains sont bien les seuls à savoir faire ça correctement (et ce n’est déjà pas toujours terrible) alors laissons-leur ce monopole. Du coup, on se retrouve dans un véritable raz-de-marée nourrit de bons sentiments, de prises de tête père/fille et d’humour limite. Bref, on nous raconte une histoire incroyablement banale. Ajoutez à cela le fait que la réalisation est elle aussi banale au possible est vous avez tout bon concernant ce film. Enfin j’exagère. La réalisation a ses bons côtés, et notamment cette idée d’insérer des scénettes déjantées en plein milieu du récit pour exprimer certains réflexions des personnages (je pense notamment à Daniel Auteuil en mode gangsta ou encore à cette référence aux films de la Hammer). Soupçon d’humour bien trouvé au milieu de l’habituel, ça ne fait pas de mal. On pensera aussi au personnage d’Albert Einstein, expression de l’inconscient de Philippe. Idée sympathique mais trop anecdotique cependant. Mais ça ne suffit pas. Non, mettre des petites pointes bien pensées par-ci, par-là n’est pas suffisant pour empêcher le film de s’essouffler et celui-ci le fait sans attendre. Après 30 minutes, il ne se passe toujours rien d’exceptionnel et on a presque l’impression de voir coller à l’écran ce que certains d’entre nous vivent au quotidien. Encore une fois, le manque de fantaisie général fait de ce film un tableau, une photo de l’adolescence de nos jours, de la famille monoparentale d’aujourd’hui et des rapports parents/enfants modernes…

     Côté casting, Daniel Auteuil est ici dans une comédie. Et apparemment, il n’a toujours pas compris que comédie ne rime pas forcément avec sur-jeu et esbroufe. Il en rajoute un maximum quand il s’agit de faire rire et ça en devient fatigant. Pourtant, il n’est pas mauvais acteur, on le sait et on le voit encore ici. Mais non, définitivement, le monde de la comédie continuera à se faire sans lui. En revanche, Juliette Lamboley est plus à l’aise. Plutôt naturelle, elle rehausse le niveau du film par son côté pétillant et son jeu qui peut être touchant (le touchant est difficile à déceler dans ce déversement de pathos mais il y en a bien grâce à elle). Les seconds rôles sont quant à eux plutôt anecdotiques. Si François Damiens et François Berléand sont toujours sympa à regarder à l’écran, il reste malgré tout un peu en arrière.

     François Desagnat et Thomas Sorriaux signent donc ici un essai raté de teen movie à la française qui ressemble finalement plus à un téléfilm du lundi soir sur TF1…

     Le "Oh, au fait !" :

     Benjamin Siksou, qui interprète ici Gaspard, l'ami d'Eglantine, est notamment connu pour avoir été l'un des candidats (et finaliste) de la Nouvelle Star 2008. Au cinéma, il avait notamment prêté ses traits au Largo Winch adolescent du film éponyme.

     Le Come Back, comédie romantique de Marc Lawrence. Avec Hugh Grant, Drew Barrymore, Brad Garrett, Emma Lesser...

La note de Tranches de Ciné: 2,5/5

     Le pitch : Après avoir connu son heure de gloire avec son groupe Pop dans les années 1980, Alex Fletcher (H. Grant) est un artiste sur le déclin. Mais un jour, Cora Corman (H. Bennett), pop star planétaire lui propose un duo, pour lequel il doit vite écrire et composer une chanson. Sans grande inspiration, il va trouver son salut dans sa rencontre avec Sophie Fisher (D. Barrymore), jeune femme qui s’occupe de ses plantes vertes et qui semble avoir un don pour écrire des paroles.

     La critique : La comédie romantique est un genre risqué. Soit vous arrivez à donner une œuvre originale, soit vous tombez dans le cliché. Le Come Back est quelque part entre les deux.

     L’histoire du film par exemple n’est pas d’une grande originalité : un homme est dans une situation donnée qui l’amène à rencontrer et fréquenter une femme et, à partir de là, effusion de sentiments et tout ce qui va avec. On est dans le cliché n°1. Malgré cela, Marc Lawrence surfe sur celui-ci en livrant quelque chose de plutôt léger. On ne sombre pas dans une sentimentalisme abusif et on retrouve assez régulièrement des petits touches d’humour et d’ironie qui libère le film de ce cliché. Ensuite, on a toute l’intrigue (si on peu appeler ça comme ça) qui tourne autour de Sophie, incarnée par Drew Barrymore, et de son passé. Cliché n°2 cette fois avec les amours passées et déçues et les amours présentes et qui ne savent pas trop où elles vont. Bon par contre, cette fois, Marc Lawrence ne semble pas réussir à s’extirper du piège et laisse le cliché tel quel. Finalement, on obtient une comédie romantique sympathique, drôle parfois, lente aussi (la fameuse stratégie où on avance d’un pas pour reculer de deux et finalement avancer de trois à la fin, typique du genre), qui flirte avec la limite entre le bon et le trop classique. Formatée malgré tout, cette histoire est mignonne et délassante mais c’est tout.

     Côté casting, Hugh Grant offre le strict minimum. Puisqu’il incarne un personnage formaté du genre, il offre un jeu formaté du genre. Hugh Grant s’enlise alors dans un jeu proche de ce qu’il offre régulièrement mais constamment en dessous du niveau habituel. On sait pourtant qu’il peut faire de bonnes choses dans ce domaine là (il n’y a qu’à voir Quatre Mariages et Un Enterrement ou Love Actually pour s’en rendre compte) mais là, ce n’est décidément pas ça. Quant à Drew Barrymore, dont j’avoue ne connaître la carrière que par E.T. et les immondes Charlie’s Angels, elle me semble ici plus à l’aise que son Hugh Grant de partenaire. Elle est pétillante et rafraîchit un peu l’atmosphère du film.

     Le Come Back aurait pu être un film vraiment sympa si le niveau n’avait pas été si inégal. Marc Lawrence semble vouloir se sortir des pièges du genre mais n’y arrive que partiellement. Dommage…

     Le "Oh, au fait !" :

     Le groupe Pop, inventé pour le film, est inspiré du véritable groupe Wham!. Comme avec Pop, si l'un des deux chanteurs (George Michael) a véritablement percé par la suite, l'autre (Andrew Ridgeley) est retombé dans l'anonymat.

     Lincoln, biopic de Steven Spielberg. Avec Daniel Day-lewis, Sally Fields, Tommy Lee Jones, Joseph Gordon-Levitt…

La note de Tranches de Ciné : 4,5/5

     Le pitch : Seizième président des Etats Unis, Abraham Lincoln (D. Day-Lewis) a pour ambition d’abolir l’esclavage, ce qui a conduit son pays dans la guerre civile. Mais, contre vents et marrées, Lincoln tiendra bon et se battra jusqu’au bout pour obtenir le 13^ème amendement.

     La critique : Il était étonnant de ne pas avoir vu, jusqu’à aujourd’hui, de film relatant la vie de l’un des plus célèbres présidents des Etats Unis (sinon le plus célèbre tout court). Steven Spielberg corrige donc cet oubli et il le fait avec brio.

     A la fois biopic et film historique, Lincoln est une fresque relatant l’un des événements majeurs de l’Histoire des Etats Unis (à savoir l’abolition de l’esclavage) mais ne se limite pas à cela et va dans un sens qui le pousse à explorer non seulement l’origine de cet événement mais aussi la personnalité de celui qui l’a monté de toutes pièces. On découvre alors ce pan de l’histoire que l’on ne connaît, celui qui est resté dans l’ombre, celui qui peut éventuellement entacher la légende et briser le mythe et où l’on découvre qui est l’homme derrière l’amendement. Mais attention, le but de Spielberg n’est certainement pas de détruire le mythe Abraham Lincoln. Bien au contraire, le réalisateur ne cherche qu’à le sublimer en s’appuyant notamment sur une brillante mise en scène. Lincoln repose sur une mécanique huilée comme Hollywood sait les faire et ne se heurte finalement à presque aucun obstacle. Je dis presque parce qu’il ne faut pas non plus nier que le film a tendance à trainer par moments. Par sa volonté d’explorer la vie de l’homme, ses doutes, ses soucis personnels et son rapport avec sa famille, Spielberg reste parfois très contemplatif dans sa mise en scène et donne finalement plus à voir qu’à vivre, un peu comme un exposé d’Histoire au collège ou au lycée. Mais ces instants là ne sont finalement pas grand-chose par rapport à la qualité du film dans sa globalité. Je le disais, à la fois biopic et film historique, Lincoln entraîne le spectateur dans son univers et se dresse finalement comme un tableau exécuté de main de maître par Steven Spielberg.

     Côté casting, Daniel Day-Lewis semble un choix évident. Sa stature, son attitude à l’écran font de lui un Abraham Lincoln idéal. Le piège avec ce rôle aurait été de tomber dans la démesure, de jouer de manière trop théâtrale et finalement de faire plus une caricature qu’une incarnation du président. Mais Daniel Day-Lewis est trop intelligent pour tomber dans ce genre de travers. Théâtral, il l’est, mais il reste dans une justesse sans égale. Son jeu complet repose sur cette capacité à être présent, non seulement parce qu’il incarne le personnage principal du film, mais aussi parce qu’il arrive à se porter en tant que tel. Il se met en avant et impose sa figure à l’ensemble du film mais, en même temps, il n’efface pas les autres comédiens. Et, par conséquent, Tommy Lee Jones et Sally Fields (pour ne citer qu’eux) ont un vaste champ devant eux pour s’exprimer à leur tour. Sally Fields notamment est brillante. Elle incarne la femme du président comme une tragédienne incarnerait une Andromaque. L’actrice plonge dans le pathos sans engloutir le spectateur dans une mélasse pathétique et cela ne fait que rendre sa prestation plus forte. Petit bémol, Joseph Gordon-Levitt, en plus de ne pas être très présent à l’écran (mais c’est le rôle qui veut ça), ne l’est pas non plus quand il y apparaît. Un peu en dessous de son jeu habituel, il livre une prestation plutôt effacée.

     Spielberg rend donc un très bel hommage au Président Lincoln à travers une épopée fabuleuse qui rappelle qu’il est bien loin le temps où le réalisateur filmait les aventures d’un extra-terrestre perdu sur Terre ou d’un archéologue aventurier.

     Le "Oh, au fait !" :

     Harrison Ford aurait pu incarner le vice-président Andrew Johnson. Mais le retard qu'a pris le projet a fait tombé cette idée à l'eau.

     C'est notamment pour les mêmes raisons que Liam Neeson n'a pas accepté le rôle de Lincoln.

     Cowboys & Envahisseurs, film de science-fiction de Jon Favreau. Avec Daniel Craig, Harrison Ford, Olivia Wilde, Paul Dano…

La note de Tranches de Ciné : 3/5

     Le pitch : Au Far West, un cowboy (D. Craig) se réveille seul en plein désert, amnésique et affublé d’un étrange bracelet métallique au poignet. Arrivé en ville, il redécouvre son nom, Jake Lonergan, et les souvenirs le rattrapent peu à peu mais une attaque vient bouleverser les événements. Des extra-terrestres viennent survoler la ville et emportent avec eux hommes, femmes et enfants. Jake part alors à la recherche des ces créatures, accompagné d'Ella (O. Wilde), une jeune femme qui semble en savoir plus sur le sujet, ou encore de Dolarhyde (H. Ford), un puissant propriétaire terrien qui semble avoir un problème à régler avec Jake.

     La critique : Quittant le monde d’Iron Man qui l’a fait réellement connaître du grand public, Jon Favreau s’attaque à la science-fiction avec un film sympa mais inégal.

     Il faut bien reconnaître que le postulat de départ n’est pas mauvais. Des cowboys rencontrent des extra-terrestres. Cela peut sembler d’une évidence sans nom quand on y pense mais, franchement, qui y avait pensé avant ? En choisissant cette idée, Jon Favreau rompt avec certains des clichés les plus agaçants du film où des extra-terrestres débarquent. Il n’y aura donc dans Cowboys & Envahisseurs, ni Maison Blanche en proie à un laser dévastateur, ni grande capitale (de préférence nord américaine) réduite en cendres, ni chasseurs de l’US Air Force pour bombarder les vaisseaux ennemis à grands coups de missiles et autres têtes nucléaires. Enfin ! Ici, on n’a que des hommes, des gros bras comme on en retrouve généralement dans les westerns, qui vont aller calmer les envahisseurs à coups de revolvers ou, à défaut, à mains nues. Le changement, c’est bien (voire salutaire parfois) mais encore faut-il que le tout soit réussi. Or, dans l’ensemble, Cowboys & Envahisseurs n’est pas un échec cuisant. Ceci dit, ce n’est pas non plus une réussite. Ce film, avouons-le, est un bon divertissement. Il y a de l’adrénaline, un scénario plutôt bien ficelé, et une réalisation somme toute plutôt correcte. Je dis plutôt correcte parce que, malgré tout, il y a des choses à revoir. Par exemple, je crois que Jon Favreau a oublié qu’il ne tournait pas un Iron Man. Du coup, il reprend les mêmes ingrédients et ressert plus ou moins la même chose. Les plans en vol laissent même parfois le spectateur envisager l’arrivée surprise de l’homme à l’armure rouge et jaune. De plus, certains passages laissent à désirer. Si le twist mis en place autour du personnage incarné par Olivia Wilde dans le campement indien n’est pas une totale mauvaise idée, on reste quand même avec une impression de too much. Enfin, je reste partagé sur l’idée de ne pas avoir tourné ce film comme un western. D’un côté, je me dis que ça aurait été logique puisqu’on est bien chez les cowboys mais, d’un autre côté, je pense que ça aurait été trop indigeste, sinon caricatural.

     Côté casting, on se retrouve face à une ribambelle d’acteurs dont les émotions (du moins celles qu’ils laissent transparaître) sont à peu près aussi intenses que celles d’un caillou sur lequel on aurait marché. Daniel Craig et Harrison Ford notamment jouent monolithe contre monolithe, les deux acteurs étant connus pour cela. Mais les mettre l’un en face de l’autre, c’est s’assurer une absence d’émotion quasi-totale. On pourra les défendre en disant que leurs personnages correspondent finalement à cela mais, franchement, le personnage de Daniel Craig a vécu suffisamment de choses apparemment pour au moins être triste de temps en temps, ou au moins inquiet. Mais non… Quand à Olivia Wilde, elle s’inscrit dans le même registre, il n’y a pas grand-chose de plus à dire.

     Jon Favreau offre donc ici un divertissement à spectacle mais ne se détache pas assez de l’univers Marvel pour pouvoir donner quelque chose de vraiment original.

     Le "Oh, au fait !" :

     Ce film est l'adaptation du comic book éponyme de Scott Mitchell Rosenberg, publié en 2006.

     Rrobert Downey Jr. et Clint Eastwood auraient pu former le duo Lonergan/Dolarhyde, les deux acteurs ayant été contacté pendant le casting.